La vida es un escenario y, a veces, los dramaturgos se enfrentan a retos que van más allá de las palabras en un guion. La reciente producción de ‘Theodora’, dirigida por Katie Mitchell, ha suscitado debates intensos, tanto en los pasillos del Teatro Real como en las redes sociales. Esta obra, escrita por el aclamado Georg Friedrich Handel, nos brinda una visión renovada de una historia antigua, pero de una manera que puede que no sea del agrado de todos. En este artículo, exploraremos no solo el contenido de la obra, sino también las reacciones y la importancia de su contextualización en una sociedad cada vez más consciente de problemas como el fanatismo religioso, el machismo y la violencia sexual.

Un vistazo a la trama y su actualización

La mártir cristiana Teodora, que vivió en el siglo IV, se convierte en el eje central de esta producción. En la versión de Mitchell, la historia se aleja de la mera representación litúrgica y encuentra su lugar en un contexto contemporáneo que incluye elementos de violencia y deseo. Como si el guion original necesitara un aggiornamento, la actriz y directora ha introducido escenas que pueden incomodar a un público acostumbrado a un arte más “clásico”.

En el programa de mano se menciona que la producción contiene «escenas violentas y temas de terrorismo, acoso y explotación sexual«, una advertencia que puede parecer mojigata y, paradójicamente, provocativa. ¿Realmente necesitamos advertencias sobre temas delicados en un ambiente donde las audiencias están tan expuestas a la violencia en otras formas de entretenimiento?

Spoiler alert: ¡Sí! Es un hecho que la violencia en la cultura pop ha normalizado a tal extremo que la escena de una violación y el uso de un burdel podrían no causar revuelo. Sin embargo, ¿no es acaso este un punto válido para reflexionar sobre cómo tales temas se abordan en el arte contemporáneo?

La dirección y el elenco: José y sus hermanos

Una de las claves del éxito de esta producción ha sido sin duda el director musical, Ivor Bolton. Su experiencia con el repertorio de Handel resuena a lo largo de la obra, así como la intervención del coro, que embellece cada número con una calidad impresionante. En contraste, el tenor Ed Lyon no se destacó de la misma manera, lo que nos lleva a un interrogante recurrente en las producciones de ópera: ¿Es el canto o la actuación más importante? Porque en ‘Theodora’, a veces parece que la actuación tiende hacia el melodrama, mientras que las voces solistas se convierten en un desafío de afinación.

Me recuerda a la vez que fui a ver una obra en la que el protagonista se esforzaba tanto en su interpretación que al final lo que se había ganado era una esfera de tensión en la sala. Todo el mundo estaba tan concentrado en su actuación que apenas podían recordar los diálogos. O quizás todo se reducía a un déjà vu de un episodio de Friends, en el que Joey también intentaba actuar en una obra seria, y ¡vaya que fue un desastre!

Temas controversiales: ¿arte o promoción del escándalo?

La forma en que Mitchell ha abordado el tema de la violencia y la explotación sexual ha generado opiniones polarizadas. Por un lado, algunos críticos alaban su valentía, argumentando que es necesario el arte que empuja los límites y que plantea preguntas sobre problemas reales y actuales. Otros, como los conservadores que se sientan en la última fila, vislumbran un intento por provocar al espectador más que provocar una reflexión significativa.

Aquí es donde la moderación juega un papel esencial. ¿Es justo que un espectáculo intente “noquear” al público con un evento traumático, en lugar de buscar una conexión emocional más sutil? Debido a la naturaleza intrínseca de la humanidad, a menudo nos atrevemos a mirar hacia el otro lado, incluso cuando se trata de lo más oscuro de nuestra existencia.

La resonancia de ‘Theodora’ en la actualidad

La recalibración del papel de Teodora como una figura feminista y revolucionaria ha resonado con muchas concertistas y activistas contemporáneas. En un mundo donde el machismo aún prevalece, la representación de Teodora como resistente y guerrera no solo es una prueba del arte, sino un espejo de nuestras luchas diarias. ¿Quién no se ha sentido, alguna vez, como un David enfrentándose a un Goliat?

La historia es sobre resistencia y empoderamiento, aunque también se enreda con la violencia que a menudo acompaña a dicho empoderamiento. Teodora, al asumir un papel más activo y combativo, desafía no solo al opresor, sino también a un mundo que a menudo discrimina a las mujeres y a las minorías.

El uso de un “coordinador de intimidad” durante las escenas más explosivas es particularmente interesante. ¿Significa esto que el arte se está volviendo más consciente de las dinámicas de poder y del confort del interprete? Tal vez sea una señal de que la línea entre la representación y el trauma necesita ser cuidadosamente trazada.

Un final explosivo: ¿revolución o sensacionalismo?

Al final de la representación, cuando el atentado sacude la última escena, surge la pregunta: ¿estamos ante una revolución de la narrativa operística o simplemente un sensacionalismo que le quita valor a la poderosa música de Handel? Lo cierto es que mientras algunos se levantan en ovación, otros abandonan la sala con más preguntas que respuestas.

Al igual que en mis propios intentos de cocinar un plato “innovador” —en cuya creación terminó la cocina más desastrosa que jamás recordaré—, la mezcla de varios elementos no siempre resulta en la obra maestra que uno anticipa. Pero, ¿no es parte de la experiencia de la vida también? A veces necesitamos un poco de caos y controversia para llegar a nuestra verdad.

En conclusión: el arte y su reflejo en la sociedad

La producción de ‘Theodora’ llega en un momento en que el arte se enfrenta de nuevo a la dualidad de ser un espejo y una herramienta de cambio. Más allá de las valoraciones de la crítica y las reacciones del público, lo que realmente importa es el diálogo que esta obra genera.

Mientras nos fraguemos en una sociedad que se desliza entre el entretenimiento y la reflexión, es imperativo que producciones como esta desafíen no solo nuestras percepciones del arte, sino también nuestras posturas morales sobre lo que estamos dispuestos a aceptar. ¿Por qué no abrazar un poco de controversia y usarlo como un catalizador para conversaciones más profundas?

Así que la próxima vez que te sientes en una butaca del teatro y el telón suba, recuerda: no todo en el arte va a ser dulce y edulcorado. A veces, el verdadero valor de la experiencia radica en cómo nos transforma —o nos sacude— y nos obliga a enfrentar la realidad, tanto la de ayer como la de hoy. Porque al final del día, el arte es también una forma de vida.